Modelos de enseñanza.

Las clases teoricas del profesor nos sirven para reflexionar sobre lo que nos explica y hacer entradas como las que a partir de ahora voy a hacer yo.
El arte tiene un valor educativo muy claro, las artes son disciplinas tradicionales. 
Desde la Antigüedad han ocupado un espacio relevante en lo que se considera que debe formar parte de la educación del hombre.
En la Edad media, no hay sistema escolar por lo que la gente que quería entrar en este mundo, lo tenía que hacer en talleres profesionales.
Del Renacimiento al Romanticismo, se crean las escuelas de dibujo y éstas tienen como características la imitación de la naturaleza y la búsqueda de la belleza.
En la modernidad, hay un pensamiento positivista acerca de estas artes. Como consecuencia, la enseñanza del dibujo se implantó en el currículo escolar en la primera mital del siglo XIX.
En los años 90, se ve la educación artística como disciplina. Los estudiantes aprenden habilidades y técnicas para producir obras de arte personal. Hacer o actuar para provocar respuestas estéticas. Habilidades interpretativas. Habilidades creativas o críticas. Estudian los logros artísticos del pasado. Además de describir, interpretar, evaluar, teorizar y enjuiciar las propiedades y cualidades de la forma visual. 
Última década, se entiende la educación artística para la compresión de la cultural visual. Se le da cierta importancia a la pedagogia cultural, a lo visual. Hay cambios en los límites de las artes visuales, también en las finalidades de la educación escolar. 
Ahora, no corremos con la misma suerte ya que nos quieren implanta una nueva ley (LOMCE) donde las artes plásticas pasan a ser un segundo plano. Ya hice una entrada sobre mi opinión sobre estas artes y sobre si debían ser obligatorias u opcionales en las aulas de primaria. Creo que es una de las artes con mayor importancia en la educación primaria ya que permite que los niños se expresen de una manera artística sobre sus pensamientos e inquietudes, que es lo que ya pensaban los griegos ya que estos le daban una gran importancia al cuerpo y a su desarrollo. Como conclusión, podemos decir que el arte no constituye un objeto valorado y prestigiado socialmente.
La educación artística en la educación primaria permite una gran variedad de estrategias de enseñanza, cada profesor plantea su propio modelo y permite también una combinación ecléctica de diferentes modelos.

Los cuatro modelos históricos son:

• Taller del artista: lo podemos resumir en tres palabras que bien definen este taller. Simple, eficaz y experiencia. La bibliografía y documentación correspondiente sigue dos líneas básicas que son a) libros dedicados al conocimiento de técnicas y materiales y b) tratados y libros, principalmente de láminas con dibujos y esquemas gráficos que enseñan cómo dibujar o pintar imágenes concretas. El dibujo en la escuela (s XIX), Pestalozzi es el primer autor que hace un manual artístico para la infancia , tiene un gran énfasis en la exactitud. Froebel se centra en regalos y ocupaciones.
• La Academia: en 1563, el artista e historiador G. Vasari fundó la primera academia de dibujo en Florencia. El sistema de la Academia debía de desarrollarse en torno a dos ejes: a) el conocimiento científico que fundamentaba la creación artística (la geometría, la perspectiva...) y b) la práctica del dibujo como fundamento de la pintura y la escultura. Autores como Da Vinci, Durero, Le Brun, Pozzo, Dalí pertenecieron a este modelo.
• La Bauhaus: escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 en Weimar y cerrada en 1933 por las autoridades prusianas. Los objetivos de esta escuela organizados por su creador, Gropius, fueron:
  
  "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público".
  Abstracción: el dibujo, la pintura y la escultura ya no tienen porqué estar pendientes de imitación de la realidad, sino más bien concentrarse en su propia realidad expresiva.
  A través de obras artísticas de Kandinsky y otros autores, se define un nuevo sistema de formación del artista con conceptos básicos como el punto, la línea, plano, textura y color. Las artes visuales son un lenguaje con su propio vocabulario. Algunos autores que siguen practicando este modelo son: Albers, Munari, Dondis... En los años 70, la percepción visual es pensamiento visual, por lo que entra a un plano muy importante enseñar a percibir y leer el mensaje visual. Hay cuatro competencias principales: a) habilidad de ver y observar, b) habilidad de lectura, c) habilidad de escritura y d) hablar de las imágenes y sobre ellas. 
  El aprendizaje de una gramática de las imágenes  es imprescindible la comprensión de la cultura actual.
• El genio: etapa romántica ya que ellos fueron los primeros en considerar la libertad y la originalidad como el criterio artístico fundamental. Cizec decía que había que volver a las raíces del arte, a lo primigenio. Lowenfeld sostuvo que para desarrollar la capacidad creadora solo hay un camino: crear, y para esto no hace falta ningún conocimiento previo. Algunos de los autores que han seguido con esta ideología fue Pollock, artista muy conocido para mi ya que el proyecto que estamos realizando para esta asignatura trata sobre el expresionismo y es uno de los máximos representantes de este movimiento.